傳統是當代文化作品的參照點，這不是什麼新思維。當然，重新思索、揣摩、回應傳統，這樣的需求也不是新鮮事。文化工作者終究無可避免地被傳統羈絆。某種程度上，任何劃時代的文化變革，都是立足於揮別前代作品的關鍵點上。
告別傳統，正是皮歇・克朗淳（Pichet Klunchun）創作《NO. 60》的動機。皮歇花了二十年時間研究傳統泰國箜舞，為《NO. 60》奠定厚實基礎。這支舞表面上詮釋泰國經典舞蹈教規傳承七百年的基本姿勢與動作，然而，皮歇的編舞絕非普普通通的傳統形式再建構。既不是過去與現在的浪漫結合，也不是對傳統的膚淺禮敬。相反地，觀眾看到了理直氣壯的知性與坦然的批判，追求的是開創新局，而非畫下句點。
《NO. 60》分為兩段，前半段嚴守創作者企圖探問的箜舞教規，投射在舞台上的圓圈既是界限，也是場域。兩名舞者的動作結構嚴謹，講求對稱與平衡。台下觀眾像是看著舞蹈教科書在眼前鋪展，每個舞姿彷彿都在真空中呈現。音效設計帶來傳統樂器的熟悉感，然而，觀者感受到的，是這種表演多麼司空見慣：一絲不苟的精準動作，死記硬背的學習結果，重要性凌駕個體的表達。
這前半段表演很容易被誤認為是對箜舞的浪漫禮敬，彷彿在頌揚傳統箜舞的技術性與機械性。然而，空蕩舞台上的兩名舞者沒有閃亮吸睛的服飾與面具，剝去華服與豔彩，反而散發出當代感。那是一份冷靜，舞者的動作因此宛如動態冥思，遙遠疏離，沒有個性。
這樣的表演一不小心就流於冗長，訴求也成了空談。不過克朗淳讓它行雲流水般轉入更為震撼的後半段。
進入後半段，舞台上方光澤閃爍的圓形銀色布匹撤下，音效換成Zai Tang更具現代感的短節拍，兩名舞者（皮歇本人與Kornkarn Rungsawang）動作同步，幾乎像一系列夢境。若說前半段是現實，那麼這後半段就是平行宇宙。原本的圓形不再是界限，變成動作的場景；舞台變成複雜、有質感、可操縱的布景。音效本身也轉換成角色，一方面被動作塑造，一方面主導動作的進行，成了當下舞台布景的元素之一。
不過此時展現《NO. 60》精髓的，是動作本身。有別於前半段的冷靜與控制，後半段讓觀眾看見，舞者的軀體做出同樣的機械化姿勢與動作時，如何注入鮮明的個性，賦予它觸感。但這不是從教科書到現實的單純移轉，而是傳統舞蹈的再創造，突顯個人的表達與獨特的詮釋。正是在這裡，教規的綑綁與箜舞的限制徹底瓦解，呈現出來的舞蹈或許根植於傳統邏輯，它的精神卻從容不迫地允許它在表演的當下，隨著舞者即興改變。
對於兩名舞者，這所謂的新箜舞第60號動作是既顛狂又錯亂，它在這個混亂不確定、驚慌失措的當下進行轉換，彷彿屬於未來。舞者儘管自始至終都是人類，卻似乎從獵物變成獵食者：激動又憤怒，熱火又情色。某個時間點他們拿出擴音器，音樂變成聽不清的鳴笛。這是感官超載的高潮，你發現自己被這場表演帶往的空間並不陌生，只是去熟悉化。它屬於當代，卻沒有跳脫傳統。不過它有怪異的新穎，像軀體與動作、音效與舞台的語彙，指涉傳統與當代的合作，依附在這場帶領未來持續演進的表演裡。
如同舞台上稀疏寥落的精選素材，舞蹈本身似乎既是前兆，也是清算。做為清算，它是對嚴格限制箜舞演出的教規的強力批判。如果視為前兆，那麼它必然預告傳統終將延續。不管是哪一種，皮歇已經證實，對傳統的批判或頌揚源於同一股衝動，只要它們的目標是重新思考傳統，並且將它重建為有生命、有氣息的表演。它不該只是教科書的死記硬背，而該允許傳統在知性與創意的表演中存續。
《NO. 60》最後一幕只留女舞者Kornkarn Rungsawang在舞台上，單獨、強大又有力。我們於是得知，傳統要能延續，靠的不是盲目的遵從，而是賦予它新生命的審慎決定。在傳統中創新，從傳統中開展、脫離，就連撕毀教規也可以是另一種形式的禮敬。
