我說我不會跳舞，傑宏‧貝爾說你當然會—《GALA》
原文刊載於
art plus（Taiwan）no.45七月號
文／林人中（藝術家／策展人）
法國編舞家傑宏貝爾（Jérôme Bel）的新作《GALA》，五月於布魯塞爾藝術節（Kunsten Festival des Art）首演。《GALA》交織了他近年的創作脈絡，對於個人身體歷史與舞蹈，於美學乃至社會與政治間的關係探究。
©Herman Sorgeloos, Kaaitheater, KunstenFestivaldesArts, Brussels (Belgium, May 2015)
傑宏貝爾曾為幾名舞者打造同名舞作，如巴黎歌劇院（Ballet de l'Opéra de Paris）昔日屆退舞者《Véronique Doisneau》（2004）、碧娜鮑許的舞者，今該舞團（Tanztheater Wuppertal）總監《Lutz Förster》（2009）、前摩斯康寧漢舞團舞者《Cédric Andrieux》（2009）及曾訪台的《泰國製造》（Pichet Klunchun and Myself，2005）等。他讓這些特定舞者演繹自己，訴說自己的舞蹈生涯，譬如為什麼成為一名舞者、與特定編舞家的合作過程或他們某些深刻的劇場經驗等。除卻第四面牆的表演機制，一邊「在觀眾面前」講故事的同時，他亦讓這些特定舞者跳一些舞。他們的身體口述歷史及當下，展現特定編舞家訓練下的身體語彙，亦能僅僅是或坐或站的日常姿態在你面前。身體的個體性、舞者作為一種社會人物、舞者與編舞者的關係政治，在跳舞與不跳舞之間，通過傑宏貝爾的劇場歷歷在目。
對個體性身體的討論，亦實踐於他運用素人（amateur）跳舞的作品《The Show Must Go On》（2001），同時辯證至大眾文化與大眾的身體與高雅藝術關係。舞台前的DJ一首接一首放著流行音樂，讓素人們用身體與劇場空間元素「K歌」，如他們在David Bowie的「Let’s Dance」靜止不動，唯有唱到副歌「Let’s Dance／Let’s Sway」段落才盡情舞動，或是讓場燈全暗，播放Simon & Garfunkel的「Sound of Silence」，每當唱到「sound of Silence」時歌曲便被消音，如此玩弄歌詞的操作至曲目播畢等。另一種個人性身體的表現，是他受蘇黎世Hora劇場委託創作的《Disable Theatre》（2012）。他讓一群學習障礙症表演者，一一在舞台上自我介紹、隨音樂跳舞並談論對方的表演。這件作品切實引來道德爭議，可更切實地探觸了關於如何重思並定義「正常vs.非正常」與「藝術vs.消費」、「真實vs.再現」等一體兩面的弔詭，同時叩問，作為一名觀眾，你如何在藝術與日常生活中理解並經驗對身體／舞蹈的「美」的批判與價值。
(© Josefina Tommasi, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina, August 2015))
上述作品的問題意識與創作手段，交融呈現於《GALA》之中。一開場，便用了十多分鐘「純」投影數十張五花八門的劇場空間照片，有古希臘劇場遺跡、現代劇院乃至廟宇戲台等。他又設立了「司儀」這個角色，於投影片播畢後上台致詞，說「各位觀眾晚安，歡迎來到這間劇場，剛剛你看到的照片是別的劇場，有些是傑宏貝爾自己拍的，有些是網路上抓的」，接著她說出節目長度、唱名表演團隊清單等劇場開演詞。編舞家要觀眾再次意識自己在劇場並疏離地「看戲」。
「主戲」開始，場上擺著寫有動作指令的翻頁式立板，讓表演者執行。第一頁寫著「芭蕾」，一次一名表演者從右舞台進場走到台中央，作芭蕾轉圈動作，然後從左舞台出場。接著你看見各種身型、年齡、神態的專業舞者、素人（包含一名坐輪椅的表演者），用他們的自然身體輪流演繹指令。這過程開始讓觀眾直覺產生專業vs.非專業、跳得好vs.跳不好的印象並辨識表演者身體條件與能力的差異。但隨著一段段動作指令轉變，編舞家故意讓你建構的認知逐漸鬆動。譬如「華爾滋」一段的雙人組合下，你看見兩名舞者跳得「標準」、兩名素人跳得「不標準」，也看見一名舞者一名素人的組合反而是舞者跳得尷尬不協調。
因觀眾對舞蹈表演有約定俗成美的尺度，因此當看見「醜」、「跳錯」或「出糗」，觀眾便笑了。在此笑聲中，傑宏貝爾再次問：什麼是「會跳舞／跳得好」什麼是「不會跳舞／跳不好」？這項問題意識在「自選曲」一段達到高潮。每名表演者選一段音樂起舞，其他表演者必須在後面現場學其動作。一位奶奶在搖滾樂中晃動搖擺身體，無法「完美」地執行芭蕾與華爾茲的她，在此段中跳得十分自怡暢快，仿若這舞步為她專屬，其神態與韻律其他表演者無法「學得像」。如此往復，你看見每一組個人身體的「美」與存在，「差異」因而在此被消弭同時又被確立。整場演出結束在「自選曲」最後一首「New York, New York」，所有人歡樂地唱歌跳舞的情境中，他們宛若演繹著，跳舞／身體如何動，乃因著身體的本能與慾望，你當然會跳舞且是快樂地。
傑宏貝爾曾在《泰國製造》的舞台上自白，說他不太喜歡被稱作「編舞家」，因為他「不編舞（蹈動作）」。同時，與其說他作的是舞蹈，他更像把「劇場／舞蹈」當作一種方法及一座表現觀念的空間。觀念如何與觀眾對話及觀眾、藝術與藝術家之間的關係，比「跳舞」這件事更令他著迷。當我看完《GALA》，復又想起這番話，而這回，「跳舞」這件事本身最是令人著迷。
原文刊載於
art plus（Taiwan）no.45七月號
文／林人中（藝術家／策展人）
法國編舞家傑宏貝爾（Jérôme Bel）的新作《GALA》，五月於布魯塞爾藝術節（Kunsten Festival des Art）首演。《GALA》交織了他近年的創作脈絡，對於個人身體歷史與舞蹈，於美學乃至社會與政治間的關係探究。
©Herman Sorgeloos, Kaaitheater, KunstenFestivaldesArts, Brussels (Belgium, May 2015)
傑宏貝爾曾為幾名舞者打造同名舞作，如巴黎歌劇院（Ballet de l'Opéra de Paris）昔日屆退舞者《Véronique Doisneau》（2004）、碧娜鮑許的舞者，今該舞團（Tanztheater Wuppertal）總監《Lutz Förster》（2009）、前摩斯康寧漢舞團舞者《Cédric Andrieux》（2009）及曾訪台的《泰國製造》（Pichet Klunchun and Myself，2005）等。他讓這些特定舞者演繹自己，訴說自己的舞蹈生涯，譬如為什麼成為一名舞者、與特定編舞家的合作過程或他們某些深刻的劇場經驗等。除卻第四面牆的表演機制，一邊「在觀眾面前」講故事的同時，他亦讓這些特定舞者跳一些舞。他們的身體口述歷史及當下，展現特定編舞家訓練下的身體語彙，亦能僅僅是或坐或站的日常姿態在你面前。身體的個體性、舞者作為一種社會人物、舞者與編舞者的關係政治，在跳舞與不跳舞之間，通過傑宏貝爾的劇場歷歷在目。
對個體性身體的討論，亦實踐於他運用素人（amateur）跳舞的作品《The Show Must Go On》（2001），同時辯證至大眾文化與大眾的身體與高雅藝術關係。舞台前的DJ一首接一首放著流行音樂，讓素人們用身體與劇場空間元素「K歌」，如他們在David Bowie的「Let’s Dance」靜止不動，唯有唱到副歌「Let’s Dance／Let’s Sway」段落才盡情舞動，或是讓場燈全暗，播放Simon & Garfunkel的「Sound of Silence」，每當唱到「sound of Silence」時歌曲便被消音，如此玩弄歌詞的操作至曲目播畢等。另一種個人性身體的表現，是他受蘇黎世Hora劇場委託創作的《Disable Theatre》（2012）。他讓一群學習障礙症表演者，一一在舞台上自我介紹、隨音樂跳舞並談論對方的表演。這件作品切實引來道德爭議，可更切實地探觸了關於如何重思並定義「正常vs.非正常」與「藝術vs.消費」、「真實vs.再現」等一體兩面的弔詭，同時叩問，作為一名觀眾，你如何在藝術與日常生活中理解並經驗對身體／舞蹈的「美」的批判與價值。
(© Josefina Tommasi, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina, August 2015))
上述作品的問題意識與創作手段，交融呈現於《GALA》之中。一開場，便用了十多分鐘「純」投影數十張五花八門的劇場空間照片，有古希臘劇場遺跡、現代劇院乃至廟宇戲台等。他又設立了「司儀」這個角色，於投影片播畢後上台致詞，說「各位觀眾晚安，歡迎來到這間劇場，剛剛你看到的照片是別的劇場，有些是傑宏貝爾自己拍的，有些是網路上抓的」，接著她說出節目長度、唱名表演團隊清單等劇場開演詞。編舞家要觀眾再次意識自己在劇場並疏離地「看戲」。
「主戲」開始，場上擺著寫有動作指令的翻頁式立板，讓表演者執行。第一頁寫著「芭蕾」，一次一名表演者從右舞台進場走到台中央，作芭蕾轉圈動作，然後從左舞台出場。接著你看見各種身型、年齡、神態的專業舞者、素人（包含一名坐輪椅的表演者），用他們的自然身體輪流演繹指令。這過程開始讓觀眾直覺產生專業vs.非專業、跳得好vs.跳不好的印象並辨識表演者身體條件與能力的差異。但隨著一段段動作指令轉變，編舞家故意讓你建構的認知逐漸鬆動。譬如「華爾滋」一段的雙人組合下，你看見兩名舞者跳得「標準」、兩名素人跳得「不標準」，也看見一名舞者一名素人的組合反而是舞者跳得尷尬不協調。
因觀眾對舞蹈表演有約定俗成美的尺度，因此當看見「醜」、「跳錯」或「出糗」，觀眾便笑了。在此笑聲中，傑宏貝爾再次問：什麼是「會跳舞／跳得好」什麼是「不會跳舞／跳不好」？這項問題意識在「自選曲」一段達到高潮。每名表演者選一段音樂起舞，其他表演者必須在後面現場學其動作。一位奶奶在搖滾樂中晃動搖擺身體，無法「完美」地執行芭蕾與華爾茲的她，在此段中跳得十分自怡暢快，仿若這舞步為她專屬，其神態與韻律其他表演者無法「學得像」。如此往復，你看見每一組個人身體的「美」與存在，「差異」因而在此被消弭同時又被確立。整場演出結束在「自選曲」最後一首「New York, New York」，所有人歡樂地唱歌跳舞的情境中，他們宛若演繹著，跳舞／身體如何動，乃因著身體的本能與慾望，你當然會跳舞且是快樂地。
傑宏貝爾曾在《泰國製造》的舞台上自白，說他不太喜歡被稱作「編舞家」，因為他「不編舞（蹈動作）」。同時，與其說他作的是舞蹈，他更像把「劇場／舞蹈」當作一種方法及一座表現觀念的空間。觀念如何與觀眾對話及觀眾、藝術與藝術家之間的關係，比「跳舞」這件事更令他著迷。當我看完《GALA》，復又想起這番話，而這回，「跳舞」這件事本身最是令人著迷。
